Appropriation culturelle : Comment la définir et pourquoi s'en préoccuper ?

En 2019, une grande maison de couture italienne a lancé une collection de maxi robes et de jupes en popeline de coton, largement bordée d'imprimés ethniques contrastés de tourbillons et d'étoiles distinctifs.

Ce n'est que si vous aviez visité les petites communautés Oma du nord du Laos que vous auriez remarqué que les motifs n'étaient que des impressions numériques des vêtements traditionnels de la tribu : des vêtements filés à la main, teints à l'indigo, avec des appliqués et des broderies vibrants.

Lauren Ellis, à l'époque employée du Centre d'art traditionnel et d'ethnologie, l'avait constaté. "Ils avaient copié les modèles exactement", a-t-elle raconté au Laotian Times. "Je ne pouvais pas croire que cette grande marque vende des modèles aussi manifestement volés".

En collaboration avec les Oma, le centre a lancé une campagne mettant en lumière la situation. "Les textiles faits à la main par les Oma sont incroyablement détaillés et demandent énormément de temps, de compétences et de patience", a souligné la codirectrice Tara Gujadhur.

"Les voir réduits à un motif imprimé sur un vêtement produit en série est un crève-cœur".

Le Dr Marie-Pierre Lissoir, ethnomusicologue et chercheuse du centre, ajoute : "Les communautés et leurs traditions sont en constante évolution. Elles s'adaptent et s'inspirent d'autres cultures."

Cependant, il ne s'agissait pas d'un cas où une marque s'est inspirée de motifs, et les a réinterprétés, dit-elle.

"Ils ont simplement scanné une pièce faite à la main et l'ont imprimée sur des vêtements sans même mentionner l'existence de la communauté Oma. Ce n'est pas de l'appréciation culturelle. Ce n'est pas une interprétation créative. "

L'industrie de la mode n'est pas étrangère à ce genre de controverses.

L'année précédente, la campagne de D&G, qui manquait de tonus et montrait un mannequin chinois essayant de manger une pizza avec des baguettes, a provoqué une éruption de fureur sur la plateforme de réseaux sociaux chinoise Weibo, et des excuses publiques de la part des créateurs.

Avant la pandémie, avant Black Lives Matter, la maison de mode Comme des Garçons a été prise à partie après que des mannequins blancs ont porté des perruques de ce qui semblait être des tresses lors de son défilé masculin automne/hiver 2020.

Et bien sûr, il y a la tendance actuelle des festivals de musique à porter des accoutrements tribaux, notamment des coiffes amérindiennes, pour tenter de singer la mystique des tribus indigènes, ne serait-ce que le temps d'un week-end.

Pourquoi notre préoccupation concernant l'appropriation culturelle est-elle importante ? Les designers et les artistes s'inspirent les uns des autres depuis des millénaires.

Si l'on coupait cette source d'échanges créatifs, les communautés se retrouveraient non seulement avec une palette d'idées plus restreinte, mais aussi avec une vision beaucoup plus étroite du monde et des autres façons de l'habiter.

De plus, la différence entre appropriation culturelle et appréciation peut être mince ; après tout, pourquoi copier quelque chose si vous ne l'aimez pas ?

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Cependant, pour de nombreux commentateurs culturels, la nature de cette relation reste problématique.

Tamsin Blanchard est la conservatrice de Fashion Open Studio, une initiative du groupe de campagne Fashion Revolution qui présente le travail de créateurs éthiques.

Cette année, en collaboration avec Not Enough, un collectif de femmes sud-américaines qui s'intéresse à la manière dont l'art et le design ont contribué à perpétuer le colonialisme, Fashion Open Studio est le co-conservateur de la prestigieuse biennale State of Fashion à Arnhem.

"Traditionnellement, les créateurs apprenaient dans les écoles de mode à piocher dans le monde qui les entourait, qu'il s'agisse d'une exposition d'art, d'un film, du monde naturel ou de la culture et du patrimoine des communautés mondiales", explique Mme Blanchard.

"Nous sommes tous attirés par une broderie exquise, un textile coloré ou même un style vestimentaire qui peut provenir d'un autre héritage. [Mais cette mentalité de pie, où toute la culture et l'histoire sont à saisir comme "inspiration", s'est accélérée depuis la prolifération des réseaux sociaux", poursuit-elle.

"Alors qu'autrefois un étudiant en mode pouvait faire des recherches sur l'histoire et les traditions d'un vêtement particulier avec soin et respect, nous vivons aujourd'hui dans un monde où les images sont extraites de bibliothèques d'images sans se soucier de leur signification culturelle. Il est plus facile que jamais de voler un motif ou une technique artisanale et de les transférer sur une pièce de vêtement qui est produite en série ou qui apparaît sur un podium sans que les communautés d'origine ne soient créditées ou indemnisées."

La connaissance compte. Combien de Blancs portant des tresses (bonjour, Kim Kardashian et Katy Perry) savent que, dans l'Afrique du XVe siècle, les cheveux permettaient de distinguer l'âge, la religion, le rang social et le statut marital d'une personne ; que les tresses prenaient des heures, voire des jours, et étaient des moments de grande complicité ; ou que, pendant la traite des esclaves, les têtes étaient rasées, arrachant aux peuples africains non seulement leurs cheveux, mais aussi leur identité ?

Combien de festivaliers savent que les coiffes amérindiennes sont faites de plumes d'aigle, symbolisant le Grand Esprit, et qu'elles ne sont offertes à leurs porteurs que lorsqu'ils ont fait quelque chose de remarquable pour la communauté ?

Combien savent que le bindi, un autre favori du festival, est censé renforcer les pouvoirs du troisième œil, en facilitant la capacité d'une personne à accéder à sa sagesse intérieure ou à ses gourous.

Et combien auraient su que dans le passé - et même aujourd'hui - les initiateurs des tresses, des coiffures, des bindis, auraient été persécutés pour les avoir portés ?

Dans un documentaire de 2018 de BBC Stories intitulé Cultural Appropriation : Whose Problem is it ?", l'interviewée Ayesha déclare : "Lorsque vous faites partie d'une société qui vous a dit que votre apparence est mauvaise, pour quelqu'un dans cette société qui dit ensuite : "Eh bien, je vais le faire parce que c'est à la mode, et c'est un festival de musique, alors on s'en fiche", c'est très ignorant pour les personnes qui ont dû vivre ces choses."

Une personne interrogée, Karisha, ajoute : "Quand un groupe racial, dans son histoire, a pris des choses à un groupe racial différent, et qu'ensuite, dans le futur, il porte les mêmes choses, c'est comme une gifle."

L'anthropologue culturelle Sandra Niessen a fait des recherches sur le tissage batak indonésien pendant plus de 40 ans.

En 2020, elle a rédigé un article intitulé "La mode, ses zones de sacrifice et la durabilité".

Inspirée par le concept de "zone de sacrifice", Niessen a creusé en profondeur les fondements coloniaux de l'industrie, allant bien au-delà de l'inclusion de mannequins noirs dans un défilé pour explorer la façon dont les traditions des peuples autochtones ont été simultanément pillées et effacées.

"Les zones de sacrifice sont des terres riches en ressources, généralement associées à des communautés minoritaires qui sont considérées comme superflues et exploitées à des fins économiques", explique Niessen dans son article.

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Plutôt que des paysages physiques sacrifiables, les zones de sacrifice de la mode sont des traditions vestimentaires et leurs créateurs, associés à "l'autre moitié" de la mode, qui sont détruits pour et par l'expansion de la mode industrielle. Ces zones facilitent l'expansion industrielle parce qu'elles sont une source de main-d'œuvre bon marché et aussi de design indigène (couramment approprié) important pour le changement de style."

Ce catalogue d'injustices se poursuit : "[Ces zones de sacrifice] servent également de marchés lorsque les vêtements indigènes sont remplacés par des vêtements produits industriellement. Enfin, elles sont les principaux sites d'élimination des déchets, notamment des vêtements de seconde main."

Ce document est une critique acerbe des systèmes d'inégalité délibérés de la mode, et reste déterminant pour ceux qui cherchent à remédier aux déséquilibres culturels.

"Tous les peuples, où qu'ils soient, s'inspirent d'ailleurs", déclare Mme Niessen, par courriel depuis son domicile aux Pays-Bas.

"Le problème, c'est la hiérarchie, avec les designers en haut de l'échelle et les vêtements indigènes en bas de l'échelle, qui doivent être pillés mais pas reconnus. C'est le système qui est faussé, pas le travail créatif des designers en soi. Recruter des autochtones pour créer des vêtements de luxe, c'est reconnaître leurs compétences mais pas leur droit à leurs propres systèmes d'habillement. Et réduire leurs systèmes vestimentaires au design et au savoir-faire, c'est leur rendre un mauvais service fondamental ; c'est une forme d'effacement. C'est le fait de travailler dans le cadre du système de la mode qui pose problème, et non le processus passionnant du contact culturel."

Que souhaiterait-elle voir ? "Que l'industrie de la mode soutienne les besoins et les désirs des couturiers indigènes et non l'inverse", dit-elle.

"Les" placer en premier serait une restitution, voire une renaissance, de "leurs" systèmes. Il est temps de se demander ce que la mode peut faire pour eux, et non ce qu'ils peuvent faire pour la mode. Ils doivent avoir la possibilité de vivre leur propre vie culturelle. Ils ont besoin que leurs terres soient revitalisées, que leurs systèmes soient respectés et qu'ils puissent s'autodéterminer. Ils ont besoin d'air pur et d'eau propre. Notre dette envers leur santé et leur mode de vie ne peut même pas être calculée."

Les questions de respect et d'intérêt pour les autres cultures - dont l'article de Niessen est une expression si nuancée - sont devenues plus marquées dans un monde qui lutte toujours contre une pandémie mondiale, qui est secoué par le mouvement Black Lives Matter et qui est endommagé au-delà de toute reconnaissance par le réchauffement climatique, lui-même directement causé par la consommation.

Dans ce contexte, nombreux sont ceux qui se demandent si le modèle extractif de croissance infinie, né d'une histoire d'exploitation coloniale, est ce qu'il est censé être ; s'il pourrait, pour tout ce qui compte, être en fait l'une des pires façons d'avancer.

L'attention se tourne, avec une humilité renouvelée, vers les pratiques indigènes, éprouvées depuis des millénaires, pour gérer la Terre.

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Et elle se tourne vers ce que d'autres pratiques - d'organisation des communautés, d'échange de compétences et de fabrication de vêtements - peuvent offrir comme alternatives à l'industrie hyperindustrielle et hégémonique de la mode occidentale.

"Le mouvement Black Lives Matter a conduit à un réalignement et à une rééducation de masse, ainsi qu'à une compréhension de la manière dont notre passé colonial et la construction de l'empire se sont construits sur l'exploitation des personnes et le vol des terres et des ressources indigènes", déclare Blanchard.

"Il y a une nouvelle prise de conscience des déséquilibres culturels et des inégalités au sein de l'industrie de la mode, où une robe de mille livres a été fabriquée par des ouvriers de la confection qui ne sont pas payés un salaire de subsistance, ou où un motif a été pris dans le patrimoine textile culturel d'une communauté sans autorisation."

Une vision commune

De plus en plus, le secteur se pose la question suivante : quels sont les nouveaux systèmes qui peuvent nous mener vers l'avenir ? Et quelles sont les façons de travailler entre les cultures qui garantissent que chaque partie est adéquatement représentée et reconnue ?

"Pour que la collaboration culturelle existe, il faut établir une vision partagée", songe Kerry Bannigan, directeur exécutif du Fashion Impact Fund.

"Un leadership collectif collaboratif est nécessaire, ainsi qu'une évaluation de tous les processus du projet. Les créateurs et les marques doivent comprendre qu'ils ont la responsabilité de valoriser les compétences qui donnent vie à leurs collections, et qu'un soutien est nécessaire dans l'ensemble de la chaîne de valeur et de la communauté de la mode à l'échelle mondiale. Le respect, l'inclusion, le consentement et la communication sont essentiels pour garantir que les marques ne diminuent pas quelque chose de valeur culturelle intrinsèque lorsqu'elles adoptent des éléments d'une autre culture."

Des groupes travaillent d'arrache-pied pour remédier aux déséquilibres. La Cultural Intellectual Property Rights Initiative (CIPRI), fondée par Monica Moisin, met en relation des designers et des artisans du textile traditionnel dans un cadre qui garantit le respect de la propriété intellectuelle culturelle des artisans grâce à ce que la CIPRI appelle les "trois C" : consentement, crédit et compensation.

Parallèlement, le projet Crafting Futures Community Couture du British Council réunit des designers de différentes cultures pour créer des vêtements en collaboration qui peuvent être loués. Des ressources numériques permettent de suivre l'évolution du vêtement et de s'assurer que toute son histoire, au-delà de l'aspect physique, est racontée.

"C'est l'avenir de l'artisanat et de la communauté, où des projets comme celui-ci permettent aux techniques d'évoluer et d'être pertinentes pour les nouvelles générations dans un esprit d'échange égal", déclare M. Blanchard.

Si, dans un monde imparfait, aucun exemple n'est parfait, certains designers s'en approchent.

"Le créateur indonésien Toton Januar, l'un des designers en résidence à la Biennale, a un échange très respectueux avec les artisans indonésiens, apportant leur artisanat dans la mode contemporaine, tandis que leur travail est équitablement rémunéré", propose Blanchard.

"À travers sa marque Anciela, Jennifer Droguett mélange son héritage et son folklore colombiens avec la confection britannique traditionnelle pour créer son propre langage sartorial."

La société éthiopienne de commerce équitable Sabahar et les tisserands Maraki s'approvisionnent et produisent ensemble des tissus pour la marque de slow fashion Welana, en utilisant des techniques de tissage traditionnelles.

"Tout notre concept tourne autour de la mise en lumière de la beauté de l'artisanat éthiopien, et de l'autonomisation de la communauté qui en est responsable", explique Welella Negussie, cofondatrice basée à Berlin.

Nabil El Nayal, designer syro-britannique primé et responsable de cours au London College of Fashion, a été invité à développer un nouveau type de point de broderie avec des réfugiés vivant dans le camp de Za'atari, un point qui relierait symboliquement la Syrie à Za'atari.

"Toute la planification, y compris les ateliers et les présentations, s'est envolée dès que nous avons rencontré les femmes", a déclaré El Nabal à Fashion Trust Arabia.

"Il faut devenir bon pour repérer l'invisible, écouter l'inaudible et voir les solutions aux problèmes lorsqu'ils se présentent. Les femmes avec lesquelles nous avons travaillé avaient un éventail de capacités incroyables et très diverses. Nous sommes devenus les étudiants qui allaient apprendre d'elles toutes".

Le projet vise à soutenir le développement d'une entreprise autonome pour ces femmes, qui ont déjà dû relever des défis incommensurables.

En 2018, après avoir bénéficié du Fonds de développement international des artistes de Crafting Futures, l'artiste et designer textile Ellen Rock a été invitée à travailler avec le Janakour Women's Development Centre (JWDC) à Mithila au Népal, par les contreforts de l'Himalaya.

Dès le début, elle a adopté une approche prudente et réfléchie, passant d'abord deux mois en tant qu'artiste en résidence, observant et s'immergeant dans l'art, afin de créer une plateforme de confiance et une base pour la collaboration.

"J'ai demandé aux membres du centre ce qu'ils aimeraient apprendre de ma pratique, ce qu'ils pensaient manquer et ce qu'ils aimeraient partager avec moi", explique-t-elle.

"À partir de là, nous avons élaboré un plan d'atelier où nous pouvions échanger des compétences et des connaissances, ce qui nous a progressivement conduits au développement de textiles."

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Les sérigraphes ont imprimé les dessins originaux de Rock, avant que les brodeurs et les peintres à la main n'ajoutent des détails par-dessus.

"Mon travail se concentre sur les symboles graphiques en tant que communication, tandis que l'art de Mithila est ancré dans l'identité culturelle telle que la fertilité, la religion, l'amour - et, plus récemment, les activités quotidiennes telles que se rendre au travail à vélo, posséder un téléphone portable et travailler en tant qu'artiste", explique Rock.

L'un des tirages, intitulé Eye See You, présente une illustration combinée d'un cycle quotidien avec les illustrations caractéristiques de Rock, intégrant des mains Mithila - un motif clé dans le travail de Rock lui-même - ornées de tatouages et présentant une interprétation de broderie du tirage.

"Ellen nous a montré comment appliquer nos motifs sur des vêtements et des textiles ; elle nous a également aidés à créer de nombreux nouveaux motifs", explique l'un des artisans, Madhumala Mandal.

Rock et les artisans ont passé du temps à réfléchir à la compétence la plus bénéfique qui pourrait être échangée - et qui aurait une longévité.

"Le centre voulait développer un produit, à la fois pour appliquer leurs dessins mais aussi pour générer des revenus", explique Rock.

"Nous avons décidé de nous concentrer sur des produits, tels que des patchs ou des sacs brodés, qui pourraient être produits à nouveau, non seulement avec nos dessins collaboratifs, mais aussi avec les motifs originaux de Mithila."

L'idée était de créer un transfert de connaissances qui durerait longtemps après le départ de Rock.

Rock ajoute : "L'appropriation implique généralement la suppression des origines et du patrimoine, et une réaffectation d'une manière qui ne profite qu'à l'entreprise finale.

Sans dialogue, cela peut éradiquer la sagesse et le patrimoine anciens tout en supprimant les sources de revenus et les moyens de subsistance. Une collaboration nécessite une connexion authentique, construite sur des semaines ou des mois.

Mais je crois que, si les concepteurs établissent des impacts mesurables qui impliquent et consultent directement les groupes d'artisans, la collaboration peut être un outil puissant d'amplification et de préservation.

En définitive, au cœur de la collaboration, il y a la conviction profonde des deux parties que le résultat est plus fort."

Pour El Nayal comme pour Rock, la collaboration culturelle reste une riche source non seulement d'inspiration, mais aussi d'équité et de rééquilibrage mondial.

"Mon approche de la mode concerne la collision des cultures, passées et présentes, lointaines et proches. Nous vivons à une époque de plus en plus polarisée, et mon travail peut en témoigner tout en cherchant à établir des liens par le biais de la mode ; en recherchant un résultat très contemporain, tout en préservant l'histoire des vêtements et des textiles traditionnels syriens", explique M. El Nayal.

"Mais la collaboration avec la communauté doit être mutuellement bénéfique. Je tiens à protéger notre héritage commun et notre identité culturelle. Notre riche culture textile remonte à plusieurs siècles, et il est important de veiller à ce qu'elle se perpétue encore longtemps."